Jusqu’au 8 février 2026, l’Aile Sainsbury de la National Gallery de Londres réunit des œuvres majeures de Seurat, Van Gogh, Signac et Pissarro.  Charlotte Cachin a participé à l’écriture du catalogue.

“Les néo-impressionnistes peignaient en petits points de couleur pure. Vues de loin, les couleurs se mélangent pour créer des nuances et une illusion de lumière. Aujourd’hui connue sous le nom de pointillisme, cette technique simplifiait la forme et jouait avec la couleur d’une manière entièrement nouvelle, frôlant l’abstraction.

Parallèlement à cette approche stimulante de la couleur, leur style s’inscrivait dans des idées politiques radicales. Ils ont capturé la société européenne de la fin du XIXe siècle à travers des paysages lumineux, des portraits et des scènes d’intérieur, tout en décrivant les luttes de la classe ouvrière en réaction à l’ère industrielle”.

Cette exposition est une collaboration entre la National Gallery et le Kröller-Müller Museum, Otterlo.

Depuis 50 ans, Vilebrequin incarne l’essence même de la liberté, de la joie de vivre et de l’élégance. C’est sur les plages ensoleillées de Saint-Tropez, chères à Paul Signac, que la marque de vêtements de plage voit le jour.
C’est le début d’une longue et belle histoire.

Grâce à leur savoir-faire et en faisant appel à des imprimeurs experts situés près du Lac de Côme et dans la région du Lyonnais, une méthode d’impression innovante à 360° a été mise en place pour ce support inédit. “Les couleurs pures et intactes [qui] sont une caractéristique de Paul Signac”, souligne Roland Herlory, PDG de Vilebrequin, ont ainsi pu être préservées. Rigoureusement sélectionnés par les Studios Vilebrequin, les coutures et cordons de serrage ton sur ton garantissent aussi une immersion optique absolue.

Du 10 janvier au 07 avril 2024, la Fondation Basil & Elise Goulandris d’Athènes accueille une exposition qui rend hommage au néo-impressionnisme. Il s’agit de la première réunion d’une telle ampleur pour des œuvres de Signac en Grèce.

La fondation athénienne présente l’exposition « Neo-impressionism in the Colours of the Mediterranean » (1891-1914), grâce à des prêts d’importants musées européens, notamment le Musée d’Orsay, la National Gallery de Londres et le Musée de l’Annonciade de Saint-Tropez. L’accrochage met en lumière l’importance de la mer Méditerranée dans la créativité des néo-impressionnistes, en soulignant le rôle central de Paul Signac. 

C’est en 1898 que le peintre achète une maison à Saint-Tropez appelée La Hune. Il découvre le village en 1892, lors d’une navigation sur son bateau l’Olympia. Il y peint tous les étés, inspiré par la luminosité provençale et les ports pittoresques d’une Côte d’Azur encore peu urbanisée.
Dans son atelier, il réalise parmi les toiles les plus célèbres du pointillisme qu’il a théorisé, comme La Bouée rouge du Musée d’Orsay, présentée dans l’exposition. Surtout, il attire au bord de la Méditerranée toute une génération de peintres post-impressionnistes : Matisse, Henri Manguin, Albert Marquet, ou encore Charles Camoin figurent parmi les invités réguliers de Signac à La Hune. 

Ces artistes, et l’influent Signac en tête, rendent Saint-Tropez célèbre auprès du public parisien, et contribuent à faire du petit village de pêcheurs une destination privilégiée de la jet-set. Saint-Tropez est finalement consacré comme sanctuaire du néo-impressionnisme avec la fondation du Musée de l’Annonciade en 1922 par Henri Person, peintre et navigateur, grand ami de Signac qui l’a soutenu tout au long du projet. Ce musée est dédié aux liens étroits entre les artistes et Saint-Tropez depuis le tournant du XXe siècle. 

L’installation de Paul Signac sur la Côte d’Azur crée un mouvement de curiosité pour la Méditerranée de la part des artistes, qui posent leur chevalet à Saint-Tropez comme Manguin, à Collioure pour Matisse et Derain, à Saint-Raphaël pour Louis Valtat ou au Lavandou pour Henri-Edmond Cross. Séparés de seulement quelques kilomètres et en contact permanent, ils dépeignent les paysages maritimes, les ports et la vie quotidienne des pêcheurs, en appliquant toujours la couleur par petites touches juxtaposées qui permettent de rendre compte des contrastes de lumière. Certains de ces peintres seront présentés pour la première fois au public grec. En effet, l’exposition de la Fondation Basil & Elise Goulandris est la première dédiée aux peintres néo-impressionnistes en Grèce, permise par la collaboration scientifique du Musée des Impressionnismes de Giverny, et de nombreux prêts de grands musées européens et de collectionneurs privés. 

  Du 13 octobre au 14 janvier 2024 le Musée Van Gogh d’Amsterdam présente une exposition sur l’art le long de la Seine. Pourquoi les artistes Van Gogh, Seurat, Signac, Bernard et Angrand ont-ils peint le long de ce fleuve qui traverse Paris et sa banlieue ?

Au XIXe siècle, les ponts et les trains facilitent les visites en dehors de Paris. Les cheminées d’usines fumantes dominent de plus en plus l’horizon. Cette exposition souhaite montrer comment les artistes ont perçu les bouleversements industriels de leur époque à travers leurs œuvres.

Cinq artistes ambitieux – Van Gogh, Seurat, Signac, Bernard et Angrand – se sont rendus sur les rives de la Seine pour peindre. Entourés de verdure, ils saisissent les changements induits par l’essor de l’industrie. Ils y trouvent de nouveaux motifs contemporains et développent l’utilisation de la couleur et leurs techniques picturales. Asnières a eu un impact particulier sur le développement de ces artistes.

 Asnières est située près de Paris, sur la Seine. Jusque vers 1850, elle était réputée pour être une banlieue verte, idyllique où les citadins venaient y trouver du repos. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, la région d’Asnières est de plus en plus marquée par l’essor de l’industrie. Attirés par le changement de paysage et la facilité d’accès depuis Paris, les artistes se rendent à Asnières pour peindre.

 Réinventer la peinture après l’Impressionisme

L’exposition démontre que l’émulation des peintres et leur excitation face à ces nouveaux paysages a eu pour effet une redéfinition complète de ce qu’est un paysage en peinture, par l’apparition des techniques qui ont irrigué la création post-impressionniste jusque dans les années 1900. Georges Seurat met au point une facture pointilliste, travaillant les paysages par de minuscules touches de couleurs pures juxtaposées, formant de vastes toiles semblables à des mosaïques aux contrastes presque imperceptibles. Signac emprunte la même voie et théorise à la fin de la décennie cette pratique dans De Delacroix au néo-impressionnisme, qui lui vaudra le surnom de « Saint-Paul du néo-impressionnisme ». Van Gogh inaugure une nouvelle période de sa carrière où, plutôt que de réduire la touche à des petits points, il l’allonge, la rend fluide et mouvante, il fait danser la lumière et libère la couleur. Emile Bernard fait disparaître la touche, travaille progressivement par grandes plages de couleur vive, schématise les formes et se convertit à une symbolisation de plus en plus poussée. Enfin, l’exposition qui rassemble 75 tableaux est l’occasion de mettre en lumière un autre camarade de ces grands artistes de la décennie 1880, Charles Angrand, travaillant auprès de Signac, Seurat et Van Gogh, il développe une manière propre explorant les effets atmosphériques permis par le pointillisme.

Finalement, c’est au cours de ces quelques années, aux portes de Paris, qu’ont été mises en place les grandes idées annonçant les nouveautés du tournant du siècle, aussi bien le cloisonnisme symbolique de Gauguin, le fauvisme scintillant de Matisse et Derain, et le cubisme de Picasso et Braque.
Signac, Seurat, Van Gogh, Bernard et Angrand livrent à la postérité une nouvelle conception du paysage, qui ne fuit pas la modernité industrielle mais l’insère au milieu de la nature, et qui profite d’une libération de la touche pour rendre compte des couleurs et de la lumière que le peintre a devant les yeux.

Lettre de Signac à Gustave Coquiot « Oui, j’ai connu Van Gogh chez le Père Tanguy. Je le rencontrai d’autres fois à Asnières et à Saint-Ouen ; on peignait sur les berges ; on déjeunait à la guinguette et on revenait à pied à Paris, par les avenues de Saint-Ouen et de Clichy. Van Gogh, vêtu d’une cotte bleue de zingueur, avait peint sur les manches des petits points de couleur. Collé tout près de moi, il criait, gesticulait, brandissait sa grande toile de 30 toute fraîche ; et il polychromait lui-même les passants. »

Plus de 350 000 visiteurs se sont pressés au musée d’Orsay entre octobre 2021 et février 2022 pour admirer une partie insoupçonnée de la vie de Paul Signac : son œuvre de collectionneur. Homme passionné par l’art de ses contemporains, il accumule avec exigence les œuvres de ses maîtres impressionnistes, de ses amis du tournant du XXe siècle, et des avant-gardes qui bouleversent le paysage artistique : les Nabis, Henri Matisse, Kees van Dongen. Le portrait d’un artiste dont le goût ne se laisse jamais démoder, éclairé par le soutien scientifique des Archives Signac, qui ont permis l’exploration de sa correspondance et des carnets dans lesquels l’artiste détaillait méticuleusement ses achats.

Signac a seulement 22 ans lorsqu’il achète son premier tableau. Comme pour de nombreux artistes de la génération post-impressionniste, l’admiration se porte sur Cézanne, dont il acquiert un paysage. Vingt ans plus tard, l’artiste est toujours au coeur de l’avant-garde artistique : il reçoit chez lui, au bord de la Méditerranée, Henri Matisse, et encourage les mutations que celui-ci influe au divisionnisme du maître en lui achetant une toile qui annonce ses audaces fauves, Luxe, calme et volupté. Entre-temps, Signac se sera intéressé aux principaux artistes de son temps : Georges Seurat, les peintres et militants Maximilien Luce et Henri-Edmond Cross, son ami hollandais Van Gogh, et ses maîtres à penser Monet, Degas et Caillebotte.

Une telle rétrospective du goût d’un homme a été rendue possible par l’ouverture des archives Signac, notamment sa correspondance et les carnets dans lesquels il décrivait minutieusement ses acquisitions. 

De mai à septembre 2023, l’Art Institute de Chicago a mis à l’honneur une génération de peintres d’avant-garde qui ont transformé la peinture de paysage au cours de la décennie 1880. « Van Gogh and the avant-garde : the modern landscape » est un hommage aux audaces de Signac, Seurat, Van Gogh, Emile Bernard et Charles Angrand qui, explorant les rives de la Seine au nord-ouest de Paris, ont posé les bases d’un post-impressionnisme singulier.

L’exposition pose ses valises au musée Van Gogh d’Amsterdam du 13 octobre au 14 janvier 2024 sous l’intitulé “Van Gogh along the Seine”, qui permettra aux visiteurs européens de découvrir les œuvres.

 Ce qui attire les artistes, ce sont les mutations profondes et accélérées de la banlieue parisienne marquée par le développement massif des industries et du chemin de fer. Un nouveau mode de vie s’y développe, de nouveaux loisirs, de nouveaux espaces de vie et lieux de fêtes. Les impressionnistes, Monet, Manet, Renoir ou Caillebotte, s’étaient passionnés pour l’agitation des boulevards haussmanniens, la modernisation des villes et le repos des bourgeois à la campagne. La génération de Signac se rend entre les deux, à la frontière de la capitale, autour d’Asnières, Courbevoie et Clichy, là où se ressent la tension entre la ville industrielle et la campagne agraire.

Signac y trouve ses motifs de prédilection : les rives du fleuve, le mouvement lent des bateaux sur la Seine, le ciel dégagé sur une campagne en pleine transformation, où se devinent désormais un pont de chemin de fer, un nuage de fumée sortant d’une cheminée d’usine ou d’un bateau à vapeur.
Seurat se penche sur les loisirs des ouvriers et des bourgeois le weekend, en peignant l’iconique Dimanche après-midi à la Grande Jatte, cœur de l’exposition de Chicago.
Van Gogh, qui ne reste que quelques semaines entre mai et juillet 1887, peint une quarantaine de toiles dans lesquelles il observe les nouveaux ponts sur la Seine, les usines fumantes et les restaurants où se concentre l’activité de la société de la périphérie.

Lettre de Signac à Gustave Coquiot : « Oui, j’ai connu Van Gogh chez le Père Tanguy. Je le rencontrai d’autres fois à Asnières et à Saint-Ouen ; on peignait sur les berges ; on déjeunait à la guinguette et on revenait à pied à Paris, par les avenues de Saint-Ouen et de Clichy. Van Gogh, vêtu d’une cotte bleue de zingueur, avait peint sur les manches des petits points de couleur. Collé tout près de moi, il criait, gesticulait, brandissait sa grande toile de 30 toute fraîche ; et il polychromait lui-même les passants. »

REINVENTER LA PEINTURE APRES L’IMPRESSIONNISME

L’exposition démontre que l’émulation des peintres et leur excitation face à ces nouveaux paysages ont eu pour effet une redéfinition complète de ce qu’est un paysage en peinture, par l’apparition des techniques qui ont irrigué la création post-impressionniste jusque dans les années 1900. Georges Seurat met au point une facture pointilliste, travaillant les paysages par de minuscules touches de couleurs pures juxtaposées, formant de vastes toiles semblables à des mosaïques aux contrastes presque imperceptibles. Signac emprunte la même voie et théorise à la fin de la décennie cette pratique dans De Delacroix au néo-impressionnisme, qui lui vaudra le surnom de « Saint-Paul du néo-impressionnisme ». Van Gogh inaugure une nouvelle période de sa carrière où, plutôt que de réduire la touche à des petits points, il l’allonge, la rend fluide et mouvante, il fait danser la lumière et libère la couleur. Emile Bernard fait disparaître la touche, travaille progressivement par grandes plages de couleur vive, schématise les formes et se convertit à une symbolisation de plus en plus poussée. Enfin, l’exposition qui rassemble 75 tableaux est l’occasion de mettre en lumière un autre camarade de ces grands artistes de la décennie 1880, Charles Angrand, travaillant auprès de Signac, Seurat et Van Gogh, il développe une manière propre explorant les effets atmosphériques permis par le pointillisme.

Finalement, c’est au cours de ces quelques années, aux portes de Paris, qu’ont été mises en place les grandes idées annonçant les nouveautés du tournant du siècle, aussi bien le cloisonnisme symbolique de Gauguin, le fauvisme scintillant de Matisse et Derain, et le cubisme de Picasso et Braque.
Signac, Seurat, Van Gogh, Bernard et Angrand livrent à la postérité une nouvelle conception du paysage, qui ne fuit pas la modernité industrielle mais l’insère au milieu de la nature, et qui profite d’une libération de la touche pour rendre compte des couleurs et de la lumière que le peintre a devant les yeux.

L’âge d’or est un mythe remontant à l’Antiquité et qui se maintient dans les consciences de nos jours.
D’abord raconté par Hésiode au VIIIe siècle avant notre ère, il est l’objet de réinterprétations multiples par les auteurs et les artistes. Ovide le place au cœur des Métamorphoses, les peintres de la Renaissance jusqu’au XXe siècle l’illustrent pour évoquer un espace hors du temps dans lequel les hommes vivent en harmonie. Paul Signac l’illustre en 1893 dans Au temps d’harmonie, qui exprime l’aspiration d’une époque à une organisation idéale et pacifiée. Le tableau apparaît dans l’exposition “L’âge d’or. Paradis, utopies et rêves de bonheur, de Brueghel à Signac”, présentée au musée Courbet d’Ornans du 24 juin au 1e octobre 2023. 

Ce rêve d’harmonie et de bonheur a connu un fort regain d’intérêt au XIXème auprès des peintres tels que Courbet, Ingres, Derain et évidemment Signac. Dans un petit coin de paradis, le musée Courbet d’Ornans invite à redécouvrir ces artistes et offre le cadre idéal pour se recueillir devant les différentes interprétations du mythe. Le regard se pose tantôt à gauche sur les huiles colorées de Paul Signac, tantôt à droite, sur les modèles italiens de Vasari ou Zucchi, ripant sur la surface glissante d’une fenêtres du musée avant de plonger dans les reflets cristallins et éclatants de la Loue qui coule littéralement à ses pieds.

En 2022, le musée Marmottan Monet, en collaboration avec le Museum Barberini de Potsdam, célèbre les 150 ans de la création d’Impression, soleil levant et lui rend hommage à travers l’exposition « Face au Soleil, un astre dans les arts ».
Elle est présentée à Paris du 21 septembre 2022 au 29 janvier 2023 et à Potsdam, du 25 février au 11 juin 2023 sous le titre
« Sonne. Die Quelle des Lichts in der Kunst ».

Pendant longtemps la lumière qui baignait les compositions peintes répondait à des critères formalisés de longue date. Le soleil, qui avait pris la place de la Terre au centre de l’Univers dès le XVIe siècle, était devenu une figure centrale des compositions, établissant de nouvelles normes en peinture : la lumière doit baigner uniformément les compositions, et les contrastes et ombres traités avec réalisme. En parallèle, le soleil devient un instrument politique au service de souverains s’identifiant à l’astre comme une légitimation de leur pouvoir de droit divin. 

L’exposition raconte comment les curieux du XIXe  siècle se livrèrent très tôt à des recherches empiriques puis scientifiques sur les origines et les formes de la lumière. Le Traité des couleurs de Goethe, les expériences sur l’élémentarisation des couleurs de Turner vont, parmi d’autres, fournir le socle de la théorie des lois optiques de la couleur de Michel Eugène Chevreul, que des générations de peintres devront lire dans leur formation.

C’est fort de la connaissance de ces différentes approches que Georges Seurat, le premier, va avoir l’idée d’une nouvelle approche picturale fondée sur la division systématique du ton que le critique Félix Fénéon nommera «néo-impressionniste». Disparu en 1891, Seurat laisse ses principes à son ami Paul Signac qui les fait évoluer et théorise l’éclatement de la lumière en de multiples particules de couleurs pures, que l’oeil humain saisit comme un ensemble pour recomposer les contrastes.

Les toiles de Signac préparent les recherches des artistes des avant-gardes du XXe siècle, du fauvisme de Matisse jusqu’à l’abstraction luministe de Delaunay.

Le samedi 18 novembre 2022, Drouot Estimations présentait aux enchères un tableau de Paul Signac, Le Pilote de la Meuse. Ce tableau, acheté en 1942, était resté dans la même famille depuis presque 100 ans. Il n’était jamais passé en vente sur le marché. Le tableau a été adjugé 1 884 800 €.

Le tableau provient de la collection Sussfeld, riche homme d’affaires du XXème siècle. La famille a conservé la correspondance qu’Edmond Sussfeld a échangée avec Paul Signac avant d’acheter le tableau. Le 3 mars 1924, le collectionneur écrit ces mots à Signac : « Monsieur, étant désireux de faire l’acquisition d’une de vos oeuvres, je vous serais reconnaissant de m’informer si je puis vous rencontrer à votre atelier samedi prochain à 14h 1/2… » Le peintre lui répond qu’il ne dispose pas de ses peintures puisqu’elles sont retenues par ses marchands mais qu’éventuellement il dispose d’aquarelles et l’invite à venir découvrir son travail dans son atelier. Edmond Sussfeld, séduit, en fera une des pièces maîtresses de sa collection.